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Un espacio para servir al arte. Museo Beyeler. Renzo Piano
Ubicado en Riehen, a las afueras de Basilea, Suiza, este luminoso museo diseñado por el arquitecto italiano Renzo Piano, fue creado para albergar la colección Beyeler, integrada por 160 pinturas y esculturas desde el impresionismo hasta la actualidad y que fueron coleccionadas por los galeristas Hildy y Ernst Beyeler, dueños de la Fundación Beyeler.
El conjunto que alberga la Fundación Beyeler se divide en tres partes: el parque Berower; la Villa Berower, del siglo XVIII, donde está ubicado el restaurante y la administración y el museo de Renzo Piano.
Para realizar este proyecto, Renzo Piano partió de dos premisas, la primera fue que "un museo debe intentar ser reflejo de la calidad de la colección y debe definir sus relaciones con el mundo exterior, lo que significa que debe desempeñar un papel activo pero no agresivo". La segunda fue la de "servir al arte".
El edificio es de modesta altura, por lo cual armonizara lo máximo posible con el lugar, para crear un perfecto equilibrio entre los espacios expositivos y el entorno exterior.
Según el propio Renzo Piano, la función del museo no puede reducirse a mera "envoltura protectora de las obras", sino que tiene que ser capaz de crear una relación entre la colección y el mundo exterior, permitiendo a los visitantes llevar a cabo una experiencia artística colectiva. Indispensable para la consecución de este objetivo es el papel que Renzo Piano atribuye al muro como elemento de diferenciación, capaz de separar y de unir al mismo tiempo al hombre con el arte.
De ahí que uno de los elementos más importantes del proyecto sea un muro compuesto por más trazos que se suceden con ritmo sincopado: después, éste se convierte en un elemento del edificio, asumiendo gradualmente la forma de pared externa de los diversos locales funcionales (guardarropa, librería, etc.). Este muro es considerado por Renzo Piano como una "zona de formación" desde la que se desarrolla paulatinamente toda la arquitectura: de hecho, a partir de este punto, otros cuatro muros paralelos se asoman al paisaje, viniendo a formar el núcleo real de la construcción y que encierra los ambientes de la galería.
El objetivo de los clientes era el de hacer del edificio un lugar destinado a la innovación y a la interacción con el público y no un tradicional museo destinado simplemente a espacio expositivo. Precisamente por este motivo un tercio de la superficie, es decir 2700 metros cuadrados, fueron reservados para las exposiciones temporales, con el objetivo de establecer un verdadero diálogo con el presente.
El edificio parece casi mimetizarse con el parque en que el surge. Si se observa desde el exterior, da la impresión de estar anclado en la ruidosa calle que transcurre lateralmente a la zona verde.
Está provisto de una cubierta acristalada que se libera en el aire. En cuanto se pasa el muro que cerca el recinto, es posible gozar de la quietud y de la armonía del jardín inglés, plantado con una vegetación secular.
A la derecha, inmediatamente después de la entrada, aparece el edificio en forma de pabellón, caracterizado por una composición de piedra, acero y cristal. Al observarlo por primera vez se percibe la concepción fundamental de esta arquitectura, desarrollada partiendo de la tentativa de proporcionar una iluminación natural a las obras de arte expuestas en su interior.
La construcción deriva, pues, de la combinación de dos temas fundamentales y de tipologías opuestas: las paredes largas y macizas y el techo acristalado suspendido en el aire.
La compleja estructura del techo tiene el objetivo de evitar una difusión uniforme de la luz natural. Con este propósito, la presencia de tragaluces dotados de filtros de cristal permite la iluminación de los rincones más escondidos. Los cambios climáticos que se desarrollan en el exterior tienen que ser percibidos en el interior sin ser directamente visibles, de modo que presenten las obras de arte en una luz continuamente cambiante.
Este estudio tan preciso y detallado de los efectos de la iluminación encuentra su adecuada correspondencia en la visión pictórica, elemento que asume enorme relevancia en la colección de Beyeler. Los espacios expositivos no se articulan en una secuencia lineal de salas, sino en un recorrido casual al cual el visitante es invitado a conformarse, teniendo bien presente su posición en cualquier punto del museo. Se puede hablar de un tipo de compromiso entre la visión moderna de un espacio fluido y las divisiones en compartimentos cerrados, existentes ya en los museos del siglo XIX.
El jardín de invierno, que cierra el espacio situado frente a la fachada oeste, ha sido creado sin sacrificar superficies verticales de relieve y permite a los visitantes relajarse, gozando de la agradable vista del paisaje situado alrededor.
No solamente la estética clara y sobria del edificio, sino también sus dimensiones, corresponden a la relación entre el carácter privado de la colección y la necesidad de ponerla a disposición del público: esta relación se desarrolla en el diseño arquitectónico tanto desde el exterior como desde el interior. De hecho, a ambos extremos del edificio el visitante se encuentra con una fachada acristalada que se extiende desde el suelo hasta la cubierta.
El edificio fue financiado por la institución fundada en 1982 por Hildy y Ernst Beyeler, y el cantón de Basilea-Stadt pagó un tercio del coste de mantenimiento.
Entre los artistas que forman parte de la colección del museo están: Giacometti, Dubuffet, Tápies, Chíllida, Bacon y Baselitz, entre otros.
El museo fue inaugurado el 21 de octubre de 1998 con dos exposiciones, una dedicada al pintor norteamericano Jasper Johns y otra sobre los proyectos arquitectónicos de Renzo Piano.
Boletín de Arquitectura
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2016-02-08
